SAN JERÓNIMO PENITENTE (S.XV): LOS COLORES DEL RENACIMIENTO
Cuadro de oraciones: “San Jerónimo penitente”. (Proyecto “Borja/Borgia”)
Estudio Técnico a cargo del IVCR+i (Institut Valencià de Conservació, Restauració i Investigació).
Colección privada.
Autor: Anónimo (En estudio).
Época: S. XV-XVI.
Dimensiones: 12x15 cm.
Técnica pictórica: Temple sobre vitela.
LOS PIGMENTOS EN EL RENACIMIENTO
Los colores más utilizados por pintores renacentistas:
El Renacimiento se generó durante el siglo XV (Quattrocento) y siglo XVI (Cinquecento). Como subdivisiones, podemos apreciar un Renacimiento temprano (c.1400-1490) y a continuación el Alto renacimiento (c.1490-1530), que a su vez fue sucedido por Manierismo (c.1530-1600). Durante este largo período, las técnicas e innovación en el campo de la pintura, que despliegan todo un abanico de posibilidades técnicas, desde una perspectiva lineal, escorzo y sfumato a Tenebrismo y claroscuro (mejoró enormemente), al igual que la proliferación de obras teóricas y la práctica del colorismo, solo aparecieron en este período dos nuevos pigmentos. Se produjo una variante sintética de Naples Yellow y se surgieron varios Red Lakes.
Durante el renacimiento, gracias al auge del comercio marítimo los pintores, en especial los florentinos y venecianos, tuvieron fácil acceso a muchos de los pigmentos más exóticos, con lo que desarrollaron un estilo de pintura propio y característico.
El simbolismo de los colores en la pintura renacentista será diferente según la cultura local y el área geográfica en la que se creaba.
Una de las grandes obras del renacimiento, "El nacimiento de Venus" veremos un predominio en la paleta de colores de Botticelli donde aparecen cinco colores básicos: Naranja, rosa, verde, blanco y marrón. Botticelli decidió transmitir la calidez de los colores en una composición en el que la belleza primaba por encima de todo. En la composición apreciamos que los personajes que aparecen en la esquina superior izquierda se ve un color azul muy tenue que sin hacer una especial inspección ocular, podría pasar más por un verde o gris que por otra tonalidad. Botticelli se empeñó en usar un color que fuera distinto a lo que siempre predominaba en sus cuadros, en este caso era más por distinción y estatus que por mera técnica.
En este punto, Botticelli buscó incansablemente la piedra lapislázuli, con ello conseguía dar a las pinturas una tonalidad azulada. El lapislázuli era mucho el pigmento más difícil de conseguir, puesto que no bastaba con el conocimiento de cómo conseguirla, había que producirla. No era un procedimiento rápido ni barato; por lo que Botticelli y otros artistas se enzarzaron en una búsqueda constante por conseguirlo y que su obras tuvieran más relevancia y exclusividad, esto haría que se cotizaran más alto. La utilización de colores caros le dio mucho más sentido e importancia al arte renacentista. Por ello, cada color cobró un significado mucho más profundo del que tradicionalmente ya tenía. Un claro ejemplo lo encontramos en la "Mona Lisa" de da Vinci, al unir tres colores en la obra, emitía un mensaje muy específico. En ella se mezclan el verde con el rojo y el blanco creando así tres puntos cardinales de la fe, la caridad y la esperanza. Otros colores que encontramos en la "Mona Lisa", el amarillo simboliza la melancolía y la calma. Este mensaje suele venir reforzado con la determinadas prendas representaban el estatus y la fama de cada personaje, es decir, los curas usaban fundamentalmente el color rojo en sus ropajes ya que era sinónimo de poder y fuerza, pero también hacía alusión a la maldad y al odio, era una contradicción; el arte renacentista también era un juego.
Pigmentos de color utilizados por pintores renacentistas comúnmente utilizados fueron:
Como podemos ver en la imagen de San Jerónimo Penitente en estudio, tenemos identificados 8 colores mediante análisis con un equipo EDXFR, que realiza análisis de zonas de 5 mm de diámetro. La técnica EDXFR proporciona la composición química elemental de la zona analizada con número atómico superior a 14. Los colores resultantes del estudio serían:
1 (Blanco de fondo "de plomo"); 2 (Azul del pliegue, de procedencia orgánica); 3 (Rojo Bermellón); 4 (Ocre del León "pigmento tierra basado en óxidos de hierro"); 5 (Morado "pigmento de naturaleza orgánica"); 6 (Verde "pigmento de naturaleza orgánica"); 7 (Azul del cielo "pigmento de naturaleza orgánica"); 8 (Dorado de la Corona "Pan de Oro").
Colores rojos
Será uno de los colores más experimentado por los pintores renacentistas. Además de hacer un uso completo del pigmento naranja-rojo Vermilion en su nueva versión de China Red, con la que Tiziano solía crear los rojos en su gran fresco de la Asunción de la virgen. Ante la gran demanda y la búsqueda constante de la exclusividad en la utilización de los pigmentos, los creadores de color del Renacimiento ampliaron en gran medida los rojos disponibles en la paleta de los pintores, en gran parte gracias a los nuevos materiales que llegaban en abundancia del "Nuevo Mundo", pigmentos de insectos traídos de las Américas y la India. De las Américas llegó el Carmine, los incas lo usaban para teñir algodón y alpaca; una variante menor llegaba de un insecto sin alas que vive en algunas especies de robles vivos europeos (Kermes). De la India llegó el "Lac", también obtenido de insectos. Fue este pigmento (por cierto, el tercer pigmento más caro del Renacimiento después del oro y el ultramar) lo que dio su nombre al término "lago", que hace referencia a cualquier tinte orgánico transformado en un pigmento combinándolo a su vez con una base inerte. El gran Tintoretto, en "el milagro del esclavo" (1548), usó el pigmento Carmine para lograr efectos de color dramáticos.
Variantes del rojo:
Al igual que encontramos en Antigüedad clásica, la paleta de colores de los pintores del Renacimiento también tiene presente el Realgar amarillo-rojo, obtenido del compuesto de arsénico natural Realgar. Para el rojo brillante, se empleaba "Dragons Blood", resultado de un colorante hecho de una resina de goma asiática. También se utilizaba una amplia gama de rojos terrosos, entre los que destacamos el rojo veneciano, un tono azulado específico del óxido rojo, aunque también se presentó en diferentes variantes de tonos que iban desde el color naranja al violeta.
Cennino Cennini, pintor del primer Renacimiento escribió del bermellón con el que estaba familiarizado se preparaba de manera artificial, solía ser adulterado mediante adición de minio o de ladrillo molido, por lo que recomendaba comprarlo en bloques enteros y no en polvo, pues al adquirirlo en polvo no se podía tener la certeza de que no había sido falsificado o adulterado.
Rojo en las figuras representadas:
Además de ser relevante para marcar un estatus social elevado como el del clero, nobleza, la realeza y los soldados, también lo portan personalidades relacionadas con la justicia, como los jueces o el rey. El Color rojo es la representación del fuego del infierno o de la luz del sol. Esto adquiere especial importancia, ya que quiere decir que si sobresalía el color rojo era para elevar a un primer plano (intelectualmente) la importancia de un elemento o personaje principal.
Colores azules
El gran desarrollo e innovación del Renacimiento en esta área de color, fue la disponibilidad del pigmento Ultramarine, muy caro pero deslumbrante en cualquier composición. Ampliamente utilizado por cualquier pintor que se preciara del Renacimiento, solo se empleó en pintura al fresco "secco", es decir, cuando el pigmento se combinaba con un medio aglutinante y posteriormente se aplicó sobre yeso seco. También se empleaban los excedentes que quedaban después de extraer el azul ultramar de mejor calidad de la piedra de lapislázuli. Este pigmento menor, conocido como Ultramarine Ashes, era una tonalidad de color gris azulado permanente pero débil.
Los artistas del Renacimiento, completaban el resto de su paleta azul, basándose en los mismos pigmentos que sus homólogos en tiempos de la antigua Grecia y Roma, es decir, azurita y azul egipcio (Frit). La azurita tenía una tonalidad de un color verde azulado, químicamente muy cercana al pigmento verde malaquita, mientras que el azul egipcio, que todavía se empleaba en obras de arte que no podían utilizar el Ultramarine más caro, era un pigmento azul oscuro muy socorrido para usarlo en una amplia diversidad de soportes pictóricos como piedra, madera, yeso y lona.
Azul en las figuras representadas
Encontramos ya, en las pinturas medievales, el pigmento azul que se utilizaba principalmente para atraer la atención del espectador hacia la figura principal, que entonces era normalmente la Virgen María, para identificarla. En las pinturas del Renacimiento, los artistas intentaron evitar la preminencia de un color para pasar a crear armonías entre el color azul y rojo, aligerando normalmente el color azul añadiendo pintura blanca de plomo, así como sombras y reflejos. Rafael sería un maestro de esta técnica, equilibrando en sus obras cuidadosamente los colores rojos y azules para que ningún color dominara la imagen.
El color Ultramarine era el azul más valorado del Renacimiento, y en los contratos con los pintores, los clientes a veces dejaban por escrito que se usara en las pinturas encargadas su utilización. Lo vemos en el contrato para la Madone des Harpies realizada por Andrea del Sarto (1514), donde se requería que la túnica que portaba la Virgen María se empleara un costo ultramarino de "al menos cinco florines buenos por onza". El color ultramarino superaba en coste al oro; en 1508, el pintor alemán Alberto Durero dejó por escrito en una carta, que había pagado doce ducados, el equivalente a cuarenta y un gramos de oro, por treinta gramos de color azul ultramar.
Colores púrpuras
Para conseguir tonos púrpuras y variantes de él, los artistas florentinos, venecianos y renacentistas del norte usaban pigmentos más tradicionales como el índigo, elaborado a partir de la planta Indigofera y Madder, que era un pigmento vegetal hecho a partir de plantas Madder. El último colorante "especie" había sido traído de regreso a Europa por los cruzados que regresaban a fines del siglo XII. En todo caso el término “especias” aglutinaba todas aquellas mercaderías importadas de Oriente por no existir en la Europa Occidental. Se sobrepasan las trescientas, atendiendo a los documentos comerciales de la época (Coulon 2004a).
Colores verdes
Encontramos tres pigmentos verdes principales dentro de la paleta de colores del Renacimiento. El principal fue el Verdigris, un verde azulado sintético (el nombre deriva del francés antiguo "verte de gris" que significa "verde de Grecia"), que era el verde más llamativo disponible durante el Renacimiento italiano y posteriormente en el Barroco. Su peculiaridad era ser muy transparente, esta cualidad permitió que se combinara con frecuencia con plomo blanco o plomo-estaño amarillo, o se usara como esmalte, esto le daba a este pigmento una gran versatilidad. El segundo pigmento verde utilizado era el Green Earth, pigmento natural con diferentes tonalidades, también conocido como Terre Verte, Verona Green o Celadonite. Esta segunda variedad del color verde, fue especialmente popular entre los primeros pintores del Renacimiento en Italia que lo usaron profusamente como pintura inferior muy recurrida para tonos de carne medios y oscuros. Su denominación alternativa, Verona Green, era debido a la prevalencia de Green Earth en la región de Verona, Italia. La tercera variante del colorante verde fue la Malaquita, en este caso, era un pigmento mineral verde brillante conocido también como Verdeazzuro.
Utilización del color Verde
Antes de emplear el color azul como tal, se disponían de tonalidades para representar algunas zonas como el cielo y el mar primero con un color verde, por ello, había una idea un tanto controvertida sobre cómo era el azul en la naturaleza o como lo veían los pintores del Renacimiento. El verde es un color que siempre se asociaba a la juventud de los campos, el nacimiento de plantas, así como el nacer y renacer de algo en toda su amplitud. De igual manera, era un color que hacía alusión a la castidad, motivo por el que algunos fondos y formas dentro de los cuadros adquirían esa tonalidad, con especial relevancia en obras donde figuraran mujeres o santos, así como en representaciones divinas.
Colores amarillos
Durante el Renacimiento encontramos un nuevo pigmento amarillo, denominado Gamboge, que apareció durante la última etapa del Renacimiento. Este era una tonalidad de amarillo brillante y transparente que siguió siendo muy utilizado hasta nuestros días. El nombre "Gamboge" viene de un derivado de la palabra "Camboya", Gamboge era una resina vegetal, obtenida de un árbol del sudeste asiático, muy similar al proceso que involucra el colorante rojo "Sangre de dragón". Otras tonalidades de pigmentos amarillos en la paleta de colores del Renacimiento serían el Massicot (un óxido de plomo), el amarillo de Nápoles (un antimonio de plomo también conocido con el nombre de "Giallorino"), el rico y clásico Orpiment de tonalidad de limón, y el amarillo de plomo y estaño. Esta última tonalidad, fue muy popular entre los pintores renacentistas, que era especialmente utilizado en combinación con los pigmentos de tierra al pintar el follaje.
Utilización del color Amarillo
El color amarillo, era considerado por los pintores del Renacimiento como un color armónico y equilibrado las composiciones al compararlo y posicionarlo entre el color rojo, señal de poder y estatus y el color blanco, color que transmite paz y compasión. La aparición de este color en las composiciones, era para equilibrar la pintura y aminorar la carga de algunos detalles que podían parecer perturbadores o inadecuados para la mentalidad de la época.
Colores marrones
Por regla general, los tonos marrones renacentistas se consiguieron mediante la utilización de pigmentos de arcilla como Sienna (extraído de lugares cercanos a la ciudad de Siena. Italia) y Umber (de tonalidad rojiza). En estado crudo, el pigmento Sienna se acerca a un tono ocre de color marrón amarillento (obtienen su color amarillento característico de yacimientos de hierro y manganeso cercanos a ellos), mientras que Sienna quemada es una tonalidad marrón rojizo. De la misma forma, el pigmento Umber, derivado de una tierra arcillosa utilizada desde el Paleolítico, es esencialmente un marrón amarillento oscuro, mientras que el ámbar quemado es en esencia un tono marrón oscuro.
Marrón y Gris
Estos eran los colores utilizados por los pintores del Renacimiento para transmitir el sentimiento de pobreza, especialmente en las pinturas que desarrollaban temáticas sociales, aunque el Renacimiento no se caracterizara por ellas, inclinándose más por temática religiosa, retratos y temas mitológicos. Eran también colores que permitían al pintor plasmar la muerte, el dolor, la desesperación y hasta el odio. De este modo, si un artista lo hacía predominante en su composición, era para establecer una diferencia entre las clases sociales y el político o de poder.
Colores blancos
No encontramos nuevos blancos en la paleta de colores del pintor Renacentista. Los artistas usaron casi siempre Lead White, que daba una gran consistencia y el tono más cálido de todos los pigmentos blancos. Otros colorantes blancos utilizados incluyen yeso y tiza.
Utilización del color Blanco
El color blanco simboliza la pureza y castidad en las mujeres representadas, por ello es normal verlo sobresalir en diversas pinturas de temática sacra. También se utilizaba para realzar la bondad de Dios, la elegancia de una dama y de la sinceridad con la que muestran sus vidas, así como los deseos reprimidos (como la constante de cubrir las partes más privadas con mantos blancos) y la paz.
Colores negros
Para la representación y utilización de las distintas tonalidades del color negro, los pintores renacentistas confiaban principalmente en el negro de carbón. Este se podía obtener de tres formas principalmente: negro marfil, producido tras quemar huesos o marfil; Lámpara negra, hecha de hollín obtenido de lámparas de aceite; y Vine Black hecho de vides carbonizadas.
Utilización del color Negro
Los pintores renacentistas, conseguían realzar la figura de una figura con un estatus alto,< mediante la utilización de este color, pero no era utilizado cuando la figura pertenecía a la monarquía o autoridades eclesiásticas. El color negro era señal de distinción y refinamiento, pero antes del año 1400, el color negro era señal de humillación y humildad. Un ejemplo lo vemos en La Verónica de El Greco porta ese color, ya que era una mujer pobre y de baja escala social.
Pigmentos
La utilización y el significado que adquirían los colores en la pintura renacentista cambió según la cultura local y el área geográfica en la que se desarrollaba, de igual forma, es un referente a la vida de cada uno de los pintores, que plasmaron un poco de sus experiencias y contexto social e hicieron del más mínimo detalle representado, como un paisaje o escena relevante dándole con ello al espectador un entendimiento más amplio de las obras, es decir, resultaban más fáciles de percibir y de mantenerlas en la memoria ya que ahora eran más cercanas al espectador, a lo que se veía o percibía. Esta percepción nueva para el espectador era gracias a la inclusión de los diversos pigmentos y tonalidades amplias como el color azul, que daba estatus a la obra renacentista.
Pigmentos principales de la paleta clásica:
- Amarillo de Nápoles.
- Bermellón.
- Umber natural
- Umber tostado
- Rojo veneciano
- Siena tostado
- Rojo indio
- Azul ultramarino (lapislázuli)
- Terre Verte
- Blanco de plomo
- Cinnabar
- Realgar
Fuentes:
https://es.gallerix.ru/pedia/artist-paints--renaissance-colour-palette/
https://www.eafit.edu.co/ninos/reddelaspreguntas/fisica/Paginas/como-se-hacen-los-colores.aspx
https://culturacolectiva.com/arte/los-colores-mas-usados-en-el-renacimiento/
https://www.ttamayo.com/2019/01/conoce-los-pigmentos-de-la-pintura/
https://www.hisour.com/es/blue-colour-in-history-and-art-26626/#:~:text=El%20uso%20de%20azul%20implicaba,m%C3%A1s%20tarde%20en%20el%20Renacimiento.
https://es.wikipedia.org/wiki/San_Jer%C3%B3nimo_penitente
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